Teatro con Estilo

Por Amor a Sandro - El musical de América.

2012-02-06T06:50:00.000-08:00

“Por Amor a Sandro - El musical de América” emociona por sí mismo. Ya por el hecho de entender que una de las más grandes y carismáticas voces de nuestro país no está más entre nosotros, emociona. Y si confundimos a Fernando Samartin con el ídolo, más sentimos ese temblor. Simplemente ver esa flor, que representa hoy por hoy su obra, conmueve. Su mirada, sus primeros acordes y sus movimientos Made in Elvis, movilizan todo. Y uno vuelve, retrospectivamente a los setenta, ochenta y noventa, a través de sus pegadizos estribillos. El resto, constantemente nos devuelve a la Avenida Corrientes, a la butaca del Broadway, a razonar que estamos viendo un musical y que después hay que ir a cenar o volver a casa. La magia irrumpe con él y se va con él. Porque la brillante y lujosa Natalia Cociuffo, maniatada en su recortado papel de Alicia, sólo puede encontrar eco en las mujeres que supieron ser sus “nenas” y porque Cristian Gimenez, tan al pie de la letra, ve diluir su proprio brillo en cada una de sus intervenciones. En síntesis, un libro pobre para tres virtuosos actores que nada pueden hacer en el acotado perímetro de juego que le dejan. Ni el proprio “Sandro” tiene los minutos suficientes como para justificar tal osada propuesta. Un desperdicio.

Algo es cierto, la historia gira en torno a Alicia (Natalia Cociuffo), fanática absoluta de Sandro, y progresa a través de todos los estadios de su amor por el ídolo: la efervescencia adolescente, lo platónico en su madurez y lo incondicional de mayor. Y cómo se vincula esa locura “sandrística” con su novio Antonio (Christian Gimenez), luego marido y por último compañero de vida. Reiterativo por cierto. Tanto la escritura de este párrafo como la trama de por sí. Omitiendo así, momentos históricos como su participación en el Madison Square Garden, sus Gran Rex consecutivos y por sobre todo, su misteriosa, nicotínica y febril vida. Claro, algo así sería motivo para otro musical, pero de seguro, más interesante.

Sale a escena Fernando Samartin, caracterizado a la perfección y uno se toma la licencia de creer que ahí, por cuestiones entre mágicas, físicas y sentimentales, está el recordado Sandro. Una imitación soberbia, tanto en sonido como en movimiento. Sus caras, sus gestos y sus recursos histriónicos para convencernos de que ahí está el verdadero mito. Y le creemos, lo aplaudimos, nos estremecemos y por momentos somos todos felices. Los que vinimos por él, los que disfrutamos de los musicales y sus nenas, que se contornean gatunamente como si todo fuera real. Es que es un pacto de partes, en el escenario está Sandro y nosotros vemos y escuchamos a Sandro. El resto, constantemente nos pellizcan para volvernos a la realidad, de que todo es una fantasía, una ilusión y que ya pasaron más de dos años de su ausencia.

Apuntalan de la forma más exigida, esporádicas pero certeras apariciones del fan de Sandro, Leo Bosio, quien haciendo su plagio casero, saca risas entre el público; y los dos escuderos de Antonio (para este entonces, el amor relegado), Diego Hodara como su amigo cordobés y Julián Pucheta, el dueño del bar donde pasan sus tardes de resentimiento, lamento y melancolía.

Podría decirse que la inmensa figura de Sandro opaca y deforma todo el resto, incluso a la historia que queda a mitad de camino –con un abrupto y fácil final–, al preciso vestuario, la muy buena puesta en escena e iluminación. Como si todo importara poco cuando él no está en escena. Pero debería ser algo a manejar, o al menos, a equilibrar.

“Por Amor a Sandro...”, valga la redundancia, es un musical válido, solamente por amor a Sandro.

Por Mariano Casas Di Nardo.

“Esa ráfaga, el tango…”

2011-10-07T09:04:00.000-07:00

“Esa ráfaga, el tango…" no es un show de tango, menos un recital, pero si un compendio de los diferentes estadios que disfruta cualquier apasionado del 2x4. La canción, el baile, el recitado, la Madame, el hombre que llora a su madre y el guapo del 900. En síntesis, un varieté tanguero guiado por el impecable Julio Viera, quien a modo de narrador presente, nos va llevando por la idea primera. Stella Botto le pone la voz y Osvaldo Cuello, el humor y el registro masculino.

Pero qué sería del tango, si de fondo no hay una pareja que dibuje en el piso su ritmo. Y allí emergen las figuras de Veronica Pérez y Emilio Benavente para ponerle belleza, firuletes, piernas y ese compás tan erótico como sensual. Termina de configurar este engranaje casi de relojería suiza, la guitarra de Martin Sotelo, músico en vivo, que da las coordenadas para el lucimiento ajeno. El libro y la dirección es cuenta de Rosario Zubeldia, seguramente una apasionada del tango, percepción que se presume por la exacta puesta en escena.

Un show recomendable, donde el espectador reconocerá de principio a fin, la esencia del tango.

Por Mariano Casas Di Nardo

Una que sepamos todos –Un tributo a Gachi Ferrari–.

2011-09-16T11:18:00.000-07:00

Pablo Novak y Roberto Antier con su show Una que sepamos todos (Un tributo a Gachi Ferrari), nos invitan a un paseo retro para destacar aquellas cosas que por cuestiones del tiempo y de los avances tecnológicos, quedaron en el pasado y que hoy solo permanecen en nuestro recuerdo o en alguna foto sacada con la Kodak de rollo. Pero para no ser todo tan vetusto y añejo con ese dejo de naftalina que agobia, este siniestro dúo, decora toda nostalgia con acertadas e inolvidables canciones de Los Beatles, Billy Joel y Sui Generis, entre muchos otros.

Al unísono por momentos o intercalados entre monologo y monologo, sus protagonistas no escapan ni por un segundo del humor. Y ya sea en autoreferencia o para describir toda una época, siempre hacen del humor, un bálsamo para que todo termine con una sonrisa. El derrape, está a cargo de Pablo Novak cuando interpreta con melodía de la canción Carta de un león a otro, la historia de un preservativo que reconoce su complicada y desprestigiada vida. Luego, a modo de dúo tanguero, Novak y Antier, cuentan la historia de un asado que involucra al firmamento de estrellas de nuestra farándula dentro de la sintaxis, con seguridad, lo más logrado de un show que sin fisura y menos pretensiones, divierte constantemente las dos horas de duración.

Pero en este fogón, entre exclusivo y ameno, hay lugar para los amigos. La idea debe ser finalizar cada velada con la participación de amigos, los cuales le dan su toque de distinción al epílogo. En esta oportunidad, Amelita Baltar, Donald y Alejandro Giordano, bajista de Banana Pueyrredón, le agregaron el plus de aquellos artistas atemporales, que suenan cálidos en todo contexto; mientras el colorido lo dio Silvina Bosco, quien descalza, al mejor estilo Marikena Monti, entonó el himno "Los Mareados". Claro está, todo lo descripto en este último párrafo, difícilmente pueda repetirse, pero hace de regla general para todas las funciones, a pesar de que sean distintos los invitados.

Una que sepamos todos alegra el corazón porque tiene todo lo necesario para pasarlo bien: humor, nostalgia alegre, música del recuerdo y lugares comunes que unen al público. Y todo eso se siente en los aplausos intermedios y sobre todo en el del final. Lamentablemente el show termina, porque de no estar en Clásica y Moderna, sino en un living cualquiera, se extendería hasta altísimas horas de la madrugada. Porque historias en común y canciones para cantar, todos siempre tenemos una más. Un aplauso para estos dos actores y músicos, que de la galera, sacan un contundente y acertadísimo show.

Por Mariano Casas Di Nardo.

Llueve en Barcelona

2011-09-15T06:21:00.000-07:00

Con Llueve en Barcelona, su director Yoska Lazaro pone a disposición del espectador todos los recursos del teatro de calidad. De ese que no genera ni un ápice de humor pero que quedará por mucho tiempo en nuestra cabeza como una gran obra, y que a su vez, agiganta su valor con el paso del tiempo.

Un excelente libro como el del catalán Pau Miró, una reducida pero eficaz puesta en escena, grandes actuaciones y una dinámica temporal que va recortando el aliento hasta uno sentirse incómodo. Claro, con el correr de los sucesos uno entenderá que todo está digitado por este gran director proveniente de España, que al parecer, ya hizo suyo los escenarios under de su adoptiva Buenos Aires. Tal vez pueda reprochársele la inclusión de la voz en off de Elizabeth Vernaci, que no hace a la cuestión y tampoco al cartel de venta. Quien quiera escucharla prende la radio y no saca una entrada de teatro. Porque Llueve en Barcelona es la idea y quien la pone en escena, no más.

La obra, depende desde donde uno la mire, puede tratarse sobre la explotación sexual de una mujer vencida por la vida o del amor irracional que una mujer puede sentir cuando su coyuntura se le vuelve desfavorable. Y para este rol, Lali, protagonizada por Esther Ramos, parece ideal. No cabría a posteriori que lo interpretara otra actriz. Sus gestos, su caminar y su impronta entre sensual y decadente, habilita al lucimiento de los otros dos personajes. Sobre todo su cafiolo-amante-amigo-y-pesadilla, Carlos (Kike Gómez), quien con sus patéticos gestos y latiguillos, viste de una extrema realidad a la obra. Y sí, por momentos a uno le dan ganas de saltar al escenario para ubicarlo de un golpe; sin dudas, otro logro de su director, quien tiene la clara intención de cachetear a cada rato con dosis de teatro verdad a nosotros, los espectadores, que elegimos complicarnos la existencia un sábado a la noche. “¿Quién nos manda a venir?” nos preguntamos por lo bajo con total honestidad. Pero es un pensamiento en caliente que, con la decantación de la obra, se convierte en querer hacerle una reverencia al culpable de todo; Yoska Lazaro, claro está.

Cierra esta historia de amor, violencia de género, drogas, poesía y lluvia, David (Iñaki Moreno), quien le pone un manto de pasión a tanta oscuridad. Con el preciso vestuario de Laura Poletti y un juego de los tiempos exactos, son las pausas musicales las que le da más identidad al drama vivido.

Llueve en Barcelona, es teatro en su estado más puro. Marco que no significa alegría y mucho menos belleza. Un libro que nos disparará miles de preguntas... como pensar cuántas miles de Lalis habrá en el mundo, cuánta gente estará al lado de la persona que la hace infeliz y cuántas no se jugarán por quienes la hacen sonreír. En síntesis, cuánta gente estará en el lugar equivocado en el momento equivocado sin tener la fuerza y valentía de cambiarlo.

Llueve en la Barcelona de Gaudí, pero también en todas las ciudades del mundo. LLovió un sábado, porque un tal Yoska se encargó de juntar todas las nubes sobre nuestras cabezas, a sabiendas de que a futuro, un hermoso sol brillará por sobre todos los que disfrutamos de una buena obra de teatro. Ojalá Lali también pueda disfrutar algún día de ese sol.

Por Mariano Casas Di Nardo

4.48 Psicosis

2011-08-15T15:28:00.000-07:00

Demasiada belleza para tanta decadencia podría afirmarse en los primeros minutos de 4:48 Psicosis, al ver a sus protagonistas. Por un lado la vida en estado agónico y por el otro, la muerte. Una mujer abrumada por sus sombras, agobiada por sus silencios y aturdida por su frágil confianza. Las secuencias últimas al abismo. La carta de despedida a través de un monólogo sombrío. El final decidido, la perversa tranquilidad por haber perdido la batalla. La no sonrisa, la infelicidad absoluta.

Su autora, la británica Sarah Kane, con tan sólo cinco obras, se ha convertido en toda una dramaturga de culto, no sólo por la profundidad de sus libros, sino por la esquizofrenia y por la brevedad de su vida, ya que a sus veintinueve años, decidió ponerle fin a todo. Y 4:48 Psicosis es su obra póstuma. Un título que alude a la hora en que se cometen más suicidios según estadísticas del Reino Unido, ya que acaba el efecto de los fármacos psiquiátricos tomados la noche anterior.

Rafael Garzaniti, su director, en esta versión lograda del ya clásico de Sarah Kane, propone las dos miradas del trágico final. La muerte consumada y la vida dirigiéndose hacia el ocaso. No es una pelea porque todo está pactado, pero sí sus diálogos nos van enseñando el camino. Giselle Glinka en su papel de la protagonista (Sarah) es quien plantea el conflicto, para que su otro yo (mezcla de súper yo y ello analizaría Freud), Valeria Barone, siembre la deformidad. La primera es la suavidad y la angustia de la indecisión, mientras la segunda es la fuerza arrolladora de la decisión tomada. Pero no hay nada que negociar ni dudar. Todo está escrito y esta última es quien tiene la tinta para la rúbrica que selle el acuerdo entre partes. Porque los diálogos y las interacciones primeras, son meras formalidades de lo inevitable.

La Sarah de carne y huesos, vestida de un sensual negro es todo el tiempo tentada por la Sarah tácita, que rige su apariencia por un estricto blanco. Una mujer apenada por las dudas de su existencia pero seducida por el ángel negro de la muerte. Roces, tironeos, caricias y las antípodas de los universos a centímetros uno del otro. Una voluntad que va cediendo y el final que va abrazando todo con sus miles de tentáculos.

Risas, llantos y efímeros segundos de una felicidad estéril, decantan previos a la huida. El ángel negro se llevó otra vez un alma joven. El efecto del psicofármaco cedió su fuerza y cuando el reloj marcó las 4:48, ella tomó su mano y se la llevó. Fin. Lo peor es que sabemos, no habrá revancha ni segundas partes.

Por Mariano Casas Di Nardo

El Sepelio

2011-04-04T06:21:00.000-07:00

Muy pocas veces, todas las patas de una obra de teatro son firmes. O falla el director, la historia o por qué no, el protagonista o la iluminación. Pero cuando sucede una homogeneidad en sus partes, podemos comenzar a escribir sobre un clásico. En este caso, El Sepelio está en vías de serlo. ¿Qué le falta? Tiempo. Esa lejanía en el calendario que lo convierta en un referente, en un piso, en un documento inexorable.

La historia cuenta como Zulema, una mañana muy temprano de un domingo sin importancia, invita a sus tres hijos a desayunar. Es que tiene un motivo muy importante, organizar su propio funeral. La muerte de sus amigas de toda la vida, le fueron sembrando muchas dudas sobre su propia salud y el fantasma del final recorre cada uno de sus pensamientos. Sensaciones que se pulverizan cuando se la ve tan vigorosa mandando y reorganizando las pocas ideas que motivan a los suyos.

El campo de interacción, su living comedor, es lúgubre, triste, gris. Y a la pesadez planteada por la propia Zulema, se le suman la languidez fashion de Pedro (Guido Silvestrín), la parsimonia de su primogénito Alfredo (Néstor Caniglia) y la angustia oral de su tercer hijo, Coyi (Diego Rinaldi). Tres apéndices poco ejemplares, contenidos ellos, por el perverso cariño de una madre que quiere mal o desprecia bien. Depende el cristal.

Cuatro actores que se retroalimentan constantemente para dejar diálogos sordos inolvidables. Nadie se escucha pero todos se comunican. Uno roba, el otro come y el tercero obedece. Total, están pero no están. Saben que esa mañana es una postal abstracta de una realidad que se repite sin modificar nada. Y a ninguno le importa, ni a su propia madre. Y aquí sale a la luz la cuidada y estudiosa pluma de Heidi Steinhardt, quien logra incluir todos los sentimientos de una familia en esta familia. El ABCDEFG… (hasta la Z) de lo que pasa en todos los hogares donde la madre se puso los pantalones que dejó el padre al morir.

El funeral en cuestión es una excusa que ni siquiera se profundiza. Se roza por un momento y nada más. Otra genialidad de su autora para darle identidad a un sinfín de conceptos que juntos hubiesen sido imposibles de amalgamar, poniendo a la muerte como un ente que todo lo supervisa: el desamor, la soledad, el descuido, la sobreprotección, el favoritismo y la obligación. Y sobre todo la falta de sinceridad, no por desconocimiento sino por orgullo.

Una historia centrífuga que golpe a golpe, progresa en su más obvio y no esperado final. Actuaciones destacadas, sobre todo la de Diego Rinaldi. Y oración aparte para Cristina Maresca (Zulema), que perdida en su angustia y locura, les da letra a todos para el lucimiento propio. Y en un nivel sintetizador, su directora y dramaturga Heidi Steinhardt, que a través de su guía, hace que queramos proteger a cada uno de sus protagonistas. Un diez.

Teatro: La Carbonera, Balcarce 998. Domingos a las 18hs.

Por Mariano Casas Di Nardo

Kalvkott, carne de ternera

2010-10-03T09:57:00.000-07:00

El exilio es un viaje de regreso constante. Una residencia mentirosa que se codea con el rencor, la nostalgia y el pesar, para hacer del día a día, una dulce hipocresía. Y cuando el escape se materializa en las antípodas del lugar de origen, el dolor es más profundo y determinante. Eso debería sentir María, quien en plena efervescencia adolescente, dejó su gris Buenos Aires para resguardarse en la ciudad de Estocolmo, lecho de acero para la expansión dictatorial que se sucedió en Latinoamérica a lo largo de la década del 70.

Del otro lado de la angustia, la improvisación y el desarraigo, se encuentra Peter. Un inédito médico sueco que habla español. Una impronta de hielo por la cual, al parecer, corre sangre latina. Él y su relojería nórdica, precisa y detallista, parecen ser el contrapeso ideal para que el equilibrio sentimental de la bella y dulce María, no se congele en el frío que rige en tales meridianos. Al principio el protocolo los enfrenta, después las clases de la lengua sueca los rozan, para ir hilvanando, día tras día, una historia de amor en pleno desconsuelo.

Afianzados los dos pilares por donde se desarrollará la trama, su autora Silvina Chague, descomprime la situación con dos satélites narrativos como Nora –la madre de María– y Abel –su padre–, quienes riegan con un poco de humor tanta palidez. Sobre todo Nora, quien además de darle luz a un apagado hogar, exporta calor cuando pasa una temporada junto a su hija. Tanto allá como en su casa, Nora dejará su sello de amor maternal en su mayor y más rico secreto, un Vitel Toné, que sólo ella sabe hacer. Por la periferia de la historia, surge la figura de Juan, exiliado chileno, quien contribuye al marco histórico, dejando en claro que el país trasandino, también fue merecedor de la hospitalidad sueca.

Con un libro tan definido como progresivo, es su directora Corina Fiorillo, quien explota al máximo cada una de las sensaciones. Entonces son llamadas telefónicas las que denotan la lejanía, un árbol de navidad a medio hacer para describir tanto la soledad como la unión y una receta familiar para plasmar la inmortalidad y la herencia del amor, de una madre para con su hija. Sus estocadas mortales, las imágenes de la triste, apagada y desolada Buenos Aires de mediados de los 70´ y una canción que apunta directo al corazón de los espectadores. Completa un cuadro contundente y autosuficiente, el vestuario de Julieta Risso, que en todo momento nos recrea fotogramas de esa década nefasta.

La obra emociona. Porque llega al alma sugiriendo todo lo que no muestra de forma explícita. Porque su música y cuadros estéticos tocan los nervios que ni la mejor actuación del mundo podría tocar. Y desde allí, se mueve con total autonomía para jugar con el llanto, la risa, el desconsuelo y la esperanza. Una flor nació del hielo y se llama Kalvkott, carne de ternera.

Por Mariano Casas Di Nardo

Yo amo a mi maestra normal.

2010-08-23T07:42:00.000-07:00

Ver un unipersonal de Juan Pablo Geretto, puede compararse a Roger Federer cuando juega al tenis o a Messi cuando juega al futbol. Porque los tres hacen simple lo difícil. Lo banalizan hasta creer que uno lo puede hacer, incluso, mejor. Sin dudas una característica de los virtuosos, en este caso, Juan lleva con naturalidad una hora y cuarto de una obra que se desarrolla entre la melancolía, el recuerdo y la ironía. Siempre en el marco del humor, claro está.

Yo amo a mi maestra normal es el tercer unipersonal de este efervescente actor, que cimentó sus bases para triunfar en la calle Corrientes con recursos propios como el histrionismo, un exacto manejo de la comicidad y tacto para no abarrotar ninguno de sus guiños de lugares comunes. Medidas justas, con silencios y discursos a medio terminar, para lograr un todo contundente y ágil, y sobre todo, gracioso.

La obra nace cuando una maestra da inicio al acto escolar por la inauguración del patio techado. Es ahí que esta maestra, tan altanera como chabacana da rienda a un monólogo milimétricamente hilvanado donde, dirigiéndose a sus pares, padres y alumnos imaginarios, repasa todo lo que acontece en un instituto educativo. Y sin perder el romanticismo, hurga en el arcón de los recuerdos para sacar a relucir joyas olvidadas que construyeron la infancia de los treinta y cuarentañeros de hoy.

Una acertada idea, con un impecable libro y una inmejorable interpretación, para una original y lograda obra de teatro. Aplaudamos de pié a este intrépido artista que hace de la verborragia, un estilo teatral.

Por Mariano Casas Di Nardo.

Los modernos –Fo, el filoso–

2010-05-22T12:06:00.001-07:00

Existen muchas clases de teatro. En primera instancia: los comerciales, los independientes y Los Modernos. Después están los dramas, las comedias, las tragedias, los infantiles, los monólogos y Los Modernos. A su vez, estos relatos pueden ser progresivos, fragmentados o como lo hacen Los Modernos. Y una vez aclarado el rubro, aprovechar la verborragia discursiva, los silencios expectantes o lo de Los Modernos. Porque ellos son un concepto en sí mismos. Tan inclasificables como geniales.

Entonces esclarezcamos la situación. Alejandro Orlando (cordobés) y Pedro Paiva (uruguayo) hacen humor. Y a partir de esa base, deliran. Vestidos con elegantes sacos, camisas blancas y polleras negras, los únicos dos protagonistas, teorizan. Sin recurrir a lugares comunes ni a las groserías ni a lo cotidiano del ser humano. Toman el diccionario y desde la metamorfosis de la palabra, disparan un sinfín de tramas. Algunas quedan en la nada siendo sólo ironías del lenguaje, y otra dan pie a otras afirmaciones suicidas. Por momento son cíclicas, por momentos tangenciales o simplemente, se van por las ramas.

Los Modernos son dos monologuistas que al unísono o intercalados, relatan pareceres de nuestra idiosincrasia. Filosofean, interpretan y psicoanalizan la realidad. Sus experiencias no cuentan, todo para ser a priori. Y cuando la razón está en jaque, recurren a “Fo”, el filoso, quien despeja toda duda y le da nombre a su espectáculo.

Puede decirse que hacen humor inteligente o hacen juegos de palabras que parodian los teoremas de la existencia. O también decirse que están locos. Que ni ellos saben lo que hacen durante la hora y cuarenta que hablan sin parar. Pero son divertidos. Para disfrutarlos y recomendarlos. De lo mejor de la cartelera porteña actual.

Por Mariano Casas Di Nardo

Afterplay

2010-05-15T14:44:00.000-07:00

La vejez da una mirada retrospectiva sobre la vida. Hace reflexionar sobre lo pasado. Sobre lo que ya no existe o lo que ya se consumió por el devenir del calendario. Permite recapacitar una y mil veces, con la única opción de poder transmitir a los demás las conclusiones; esas que con los años se llama sabiduría. Porque todos sabemos que no se puede volver el tiempo atrás ni modificar nada. Y todo tiene su tinte nostálgico. Repasando recuerdos que sólo viven en fotografías o en canciones. Las caras se desdibujan, las calles se modernizan y los amores fugaces se idealizan. Y así sólo queda el futuro; o el de los otros mejor dicho.

Pero existe una instancia previa. La de Sonya y Andrey. En la que se vive entre un pasado de amor y penas y un presente sin proyección. Viviendo el ahora. Padeciendo historias inconclusas y añorando una inmediatez efímera. Afterplay es eso. Una mirada borrosa de todos los pretéritos. Contado en la Rusia de Chéjov, con dos de sus personajes más adorables, pero bajo la narrativa de Brian Friel, autor que toma esencias prestadas para contar su propia historia.

Andrey Prozórov –personaje salido de la obra Tres hermanas de Antón Chéjov– y Sonia Serebriakova –rescatada de Tío Vania, otra obra del mismo autor–, se encuentran en un bar perdido de Moscú, una noche donde el hastío comenzaba a helar los cuerpos. Ella, vencida por el tiempo y sus desamores, trabajaba sobre la contaduría de su finca cuando él, un vendedor de ficciones y artista por naturaleza, irrumpe su calma. Hasta ahí dos desconocidos; dos realidades opuestas que convergieron en una mesa de poco brillo. Ella camina sobre el hielo que pavimentó sus años; él sobrevuela los escombros que evidenciaron sus lazos sanguíneos. Un té con vodka y una sopa con un pan negro, serán los testigos de un flechazo repentino. La vida pareciera quererlos juntos pero ellos se empecinarán en torcer el destino.

Con un convincente e impecable trabajo de Miguel Moyano en su rol de Andrey, Afterplay consigue momentos de increíble realismo. Todo se torna frío y sombrío. Y los relatos parecieran ser reconocidos por todos los presentes. Por su parte, Lidia Catalano acompaña a este ser comprador y amigable, a paso firme. La adaptación, puesta en escena y dirección corre por cuenta de Marcelo Moncarz, quien logra que todo vaya por una misma línea. Otro punto a destacar es el ojo de su vestuarista, Cecilia Stanovnik, quien recrea las desdichas de estos personajes de la forma más fiel.

Afterplay es una obra esperanzadora. Tristemente esperanzadora. Con la presencia de Miguel Moyano y la dulzura de Lidia Catalano. Un guión maravilloso para un relato que deja tantas luces encendidas como apagadas.

Por Mariano Casas Di Nardo.

¡Oh, Dios Mío!

2010-03-09T10:54:00.001-08:00

El mundo exige equilibrio. La balanza necesita de dos mitades exactas o similares para mantenerse. Claro, siempre hay un margen para el desnivel; pero tiene que ser insignificante para que la idea continúe. Como lo sentencia el dicho “Amar sin ser amado”. Si sucede no hay amor. Hay sólo una parte. Una buena intención y nada más. No hay fuerza. Ni siquiera para avanzar. Así podría definirse a la obra ¡Oh, Dios Mío!, de Anat Gov.

Una idea superlativa, un libro acertado y dos actores que no resisten el peso de semejante bandera. Algo es muy cierto, personificar a Dios es tarea complicada. Y psicoanalizarlo, utópico. Si ni siquiera la filosofía pudo llegar a interpretar tal ser, pretender que sea codificado fehacientemente por seres más terrenales, es pedir demasiado. Pero la idea primera así lo plantea. Entonces uno se entusiasma con ver la obra más impactante de su vida y quedar pensando por el resto de los días, hasta que decante alguna idea. Pero nada de eso sucede. Uno queda a medio camino. Como esa balanza que se quiebra por el peso propio que hace de palanca estéril.

Con un guión imposible, sólo la música del genial Gaby Goldman está a la altura de tal epopeya. Él, con su piano, recrea a la perfección la sensación de estar caminando sobre un sendero irreal. Allí donde Ella –Silvia Franc– es absorbida por la presencia de Señor D –Eduardo Wigutow–, quienes con el transcurrir de los diálogos van perdiendo fuerza y credibilidad. Y todo queda en una tímida psicóloga frente a un inentendible paciente. Momento que comienza a desvanecerse todo hasta que la música de Goldman vuelve a levantar la obra. Otro acierto y pieza fundamental de todo el andamiaje escénico, es el preciso vestuario de Alicia Vera, quien también se destaca por configurar un espacio a la medida del libro. Todo hilvanado por la dirección de Juan Freund, ambicioso ser, que no se detuvo en quimeras a la hora de montar una obra de teatro.

¡Oh, Dios Mío! sobrevive por el estoicismo de sus protagonistas y por la voluntad de cerrar una pieza que a priori resulta difícil. Una vez consumados sus más de ochenta minutos, uno se va con la certeza de no haber llegado a ninguna conclusión.

Por Mariano Casas Di Nardo

Las mil y una noches.

2010-02-04T11:42:00.000-08:00

Como de costumbre, la dupla Cibrian/Mahler vuelve a sorprender con una puesta en escena que nada tiene que envidiarle a cualquier producción internacional. Porque ellos son internacionales. Podrían destacarse tanto en Broadway como en París o Londres. Esta vez de la mano de la impecable Claudia Lapacó y de su actor fetiche, Juan Rodó, para recrear por cuarta vez uno de sus clásicos, Las mil y una noches.

Sin escenarios suntuosos ni rimbombantes juegos escénicos, la obra transcurre bajo una perfecta sincronía entre sus protagonistas, el elenco de bailarines y la orquesta, la cual toca en vivo. Tres piezas que sinérgicamente cuentan la historia de Elena, interpretado por Georgina Frere, quien a base de cuentos enamora el frío corazón de Solimán –Juan Rodó–. Por su parte, Feyza –Claudia Lapacó–, cual malvada Disney, hace su trabajo para que ese destino les sea complicado.

Dividido en dos actos con un intervalo, necesario por cierto, de diez minutos; la obra parece ser una burbuja en plena calle Corrientes. Y no por sus precios elevados, sino por tener más de 30 bailarines en escena, en las perfectas de las sincronías. Inédito para el arte nacional, aunque repetido dentro del mundo Pepito. De hecho, no es su obra más lograda ni recordada, y sin embargo le sobra para destacarse sobre un resto austero, que mira más hacia la boletería que hacia su propio arte.

Destacada participación de la carismática Claudia Lapacó, mientras que el siempre rendidor Juan Rodó, juega y hace jugar desde su grave registro vocal. Por su parte, Georgina Frere, un escalón por debajo de los mencionados, no desentona, aunque tampoco acapara la atención completa en sus participaciones como solista. Del reparto, sobresalen Laura Pirruccio como Leila y Diego Duarte Conde en la piel de Mustafá.

Las mil y una noches conforma. Con la espectacularidad que siempre ofrece el histriónico Cibrian, la fidelidad de la orquesta de Mahler y la impronta vocal que sólo Rodó puede mostrar. El plus, la belleza sonora de Claudia Lapacó, un ángel que sobrevuela la escena e ilumina, aún, cuando el relato se hunde en su dramatismo.

Por Mariano Casas Di Nardo.

Así da gusto.

2010-02-01T10:24:00.000-08:00

Ana María Bovo con su nuevo unipersonal viene a romper con varios paradigmas teatrales. El más trascendental es que se puede contar una historia y al mismo tiempo divertir y hacer reír, sin gritar ni decir sandeces. Ella omite cualquier agravio o insulto y se deja llevar por la suavidad de su voz y de sus gestos para adentrarnos en el mundo del Maipo, teatro que el pasado 2008 festejó sus nada más y nada menos que cien años de vida.

Entonces Olinda Petrungaro, tercera generación de vestuaristas del Maipo, nos cuenta cómo es la vida entre las bambalinas de uno de los teatros más prestigiosos de la cartelera porteña. Se sincera con ella misma, confiesa secretos y recrea anécdotas que rozan a estrellas como Nélida Roca, Nélida Lobato y Tita Merello; como así también a recientes personajes como Ximena Capristo y Jorge Lanata. Y entre tanto chisme y objetos de culto, se hace lugar para contar el por qué de su soltería. Vale la aclaración, la presente historia es ficción, pero por suerte, Ana María Bovo, confunde. Entonces creemos que allí, entre acto y acto, Olinda asiste en serio a las vedettes.

Bajo su propia dramaturgia y dirección, Ana María Bovo hace de Así da gusto, una hora y media de charla amena e interesante. Uno no habla ni participa, claro está, pero la cordialidad de la actriz, hace que nos sintamos cerca, como si fuésemos únicos interlocutores. Sólo su madre, detrás del telón, la apuntala con datos precisos. Pero volvamos a aclararlo, todo es imaginario, aunque nosotros nos predispongamos a creerle todo. Es un pacto omiso que se firma en los primeros minutos de su monólogo. Sin que ella exija firma y sin que nosotros dejemos nuestra rúbrica. Es tácito e inquebrantable.

Así da gusto es belleza narrativa y ficcional en estado puro. Toda la suavidad actoral de Ana María Bovo para contar la historia más creíble del teatro actual.

Por Mariano Casas Di Nardo.

Humordazada.

2010-01-26T07:13:00.000-08:00

En el espectro teatral de Valeria Kamenet, al parecer, hay lugar para diez personajes, todas mujeres ellas, que hacen de la provocación, sus sellos personales. Hay que aclarar algo, la obra se llama Humordazada y pregona humor. El problema reside en que las diez veces que ella presenta a sus criaturas a lo largo de su show, uno tiene que machetear a priori todos los impactos desagradables para encontrar gracia. Y cuesta. Sobre todo cuando uno se predispone a disfrutar de la fluidez y espontaneidad que ofrece el humor bien tratado.

La puesta inicia con una novia oscura, abandonada y al borde de un trance. Su simple presencia altera, y es así como destiñe toda su simpatía. Luego le llega el turno al color, pero con un personaje que ahoga toda esperanza; una niña simpática cuyo padre doctor, trafica órganos. Un tema que hace que la cuota humorística se vuelva corrosiva. Está, existe y se expande. Roba alguna que otra sonrisa, pero hace daño. Oxida.

Tal vez sea con la docente de barrabravismo donde la actriz propone un juego ameno y divertido con el público, pero siempre al filo de la tensión, de la incomodidad. Así, enseña a sus alumnos a ser barrabravas, con todos los clichés de la profesión. Podría decirse que ahí comienza la obra de humor. Pero es con los siguientes personajes – fallidos su mayoría– que vuelve a la hostilidad, como con una embarazada que ignora su estado. Entonces en un arrebato de destreza deportiva, ella aplasta su panza contra el suelo en pos de un ejercicio aeróbico. No es humor negro, definitivamente es mal gusto.

Pero fiel a su propuesta, Valeria vuelve a mostrar que puede hacer reír, si es que se lo propone en serio, como cuando interpreta a una sensual bailantera. Ella es quien entre tanta deformidad, riega un jardín pálido, que fue secándose a medida que desfilaron sus personajes. Y hasta algunas flores crecen. Flores que pisotea su última invención, una antipática anciana que dice ser la primera bailarina del Colón. De forma intimidante, genera pánico en el foro cuando baja a interactuar cara a cara con los espectadores.

Un paso no del todo acertado el de Valeria Kamenet y sus alter egos con Humordaza. Tropezando entre el humor negro, el no humor y las malas costumbres. Siempre más cerca de la mueca por compromiso que de la carcajada espontánea.

Por Mariano Casas Di Nardo

La imagen fue un fusil llorando

2009-12-10T10:45:00.000-08:00

Qué habrán visto los ojos de tan destacado periodista para poner en jaque toda su pluma, hasta bloquearlo por completo y derribarlo hasta la tristeza e impotencia misma. Nada enorgullece más al ser humano que la revalidación de sus convicciones, aún en tiempos de hostilidad social. Y ser testigo de una injusticia frente a tal resistencia, humilla, más cuando no se puede hacer nada.

Herido en sus principios, bastardeado en su esencia ciudadana primero y profesional después, Roberto Arlt se enfrenta a su peor enemigo, su deber: la crónica de algo que jamás hubiese elegido presenciar. Años de oficio para llegar al final con la peor de las sensaciones. La traición. El fusilamiento de Severino Di Giovanni giró su vida y cegó su futuro. Sus ojos ya no serán los mismos tras el accionar de aquel implacable fusil.

Gabriel Fernández se pone en la piel de uno de los autores más destacados de nuestra literatura, para protagonizar La imagen fue un fusil llorando, obra de Julio Molina, que se genera a partir de He visto morir, obra del mencionado escritor.

¡Viva la anarquía! explotaría de la garganta del anarquista Severino Di Giovanni al ser fusilado por una dictadura obsesiva e irreverente. Y los ojos del propio Arlt ya no verían con tanta nitidez. Una actuación soberbia, de quien muestra el infierno vivido luego de tal impacto. Bajo el barniz de su director Julio Molina, quien pone una escena exacta, el único protagonista de la obra brilla gracias a un conjunto perfectamente engranado. El vestuario, la iluminación y la musicalización. Todo nos lleva a esa época y todo nos enseña el dolor que padeció nuestro héroe golpeado.

La imagen fue un fusil llorando es de esas obras que deja en uno una fuerte impresión. Y que va decantando con el pasar de los minutos para formar una conclusión esperanzadora y revitalizadora. Porque sus ojos fueron los ojos de toda una época. Una época que cíclicamente fue repitiéndose, hasta, por el momento, desvanecerse.

La pregunta igualmente seguirá siendo la misma: Qué habrán hecho sentir esos ojos… hasta el momento de apagarse.

Por Mariano Casas Di Nardo

Hasta que tu muerte nos separe

2009-12-04T13:09:00.000-08:00

Para algunas personas de este mundo, la vida no es color de rosas. Los finales no son felices y los días son un karma que tienen que sobrellevar, porque suponen que el mañana no los tratará tan mal. No son optimistas pero no se ahogan en su lodo. Tampoco tratan de salir. Se regodean en el fango y nadan. Con dificultad, claro; pero avanzan.

Son los casos de Dana y Osvaldo, quienes padecen distintas fobias, adicciones y pesares; pero aún así intentan encontrar el amor. Agorafóbica y desprolija ella, sus frustrados amores no lograron abatirla. Morboso y virgen él, su autosatisfacción no detiene su búsqueda. Y se encuentran, se inquietan pero no se convencen de ser el uno para el otro. Sus lamentables vidas dejan huecos para el amor y los dos, curiosamente saben ubicarse. Incómodos, pero se ubican al fin. No es una relación progresiva, de hecho comienzan en la meseta del desamor, pero aún así caminan (siempre al borde de la catástrofe).

Hasta que tu muerte no separe es una comedia negra que muestra irónicamente, las miserias de aquellos que no se resignan a vivir una mejor vida, aunque no tengan armas claras como para ganar la apuesta. Un libro que destiñe los clichés del amor y de la pasión que nacen de dos jóvenes entusiasmados. Sus miedos, incertidumbres y alegrías, potenciados al máximo rigor y exposición.

Fito Yanelli en su rol de director, conduce a estos seres ciclotímicamente distintos, al punto medio, en donde los manipula hasta sus mejores rendimientos. El juego de luces hace del escenario el mejor campo de acción, direccionando la atención hacia las pausas, silencios y demás condimentos narrativos.

Hasta que tu muerte nos separe en primera instancia hace reír, para luego hacernos pensar y una vez asimilada la historia, entender lo patético que puede ser el humano cuando se encuentra fuera de los cabales aceptados.

Por Mariano Casas Di Nardo

Niños del Limbo.

2009-11-24T18:22:00.000-08:00

Hacer un análisis sobre Niños del Limbo es un tanto complicado. No porque sea difícil de entender o enmarañado en su andar, sino porque la genial actuación de Andrea Garrote se lleva consigo todos los adjetivos y calificativos. Y deja poco al resto. Un reparto que se destaca con creces pero que aún así, queda a una distancia considerable del histrionismo y escenario que enseña la destacada actriz.

Entonces hablemos de Andrea Garrote, quien en su papel de Martina, una docente de letras, quien dispone de su hogar como taller literario, se lleva todos los aplausos. Ella es quien parte y reparte. Quien maneja los hilos de sus colegas y quien recrea la tragedia, la tensión o el humor, con un simple gesto o un mínimo silencio. Su presencia agiganta al resto y los saca a relucir, incluso cuando los diálogos se reducen a miradas. Por su parte, su ausencia, hace que todo tome otro tipo de protagonismo, porque se sabe que ella está del otro lado a la expectativa de lo sucedido. Su papel es una luz que ilumina al resto y los potencia, mientras que su no presencia, como efecto a contraluz, los resalta como en diapositivas. Sin ella, la obra no se caería, pero estaríamos hablando a otro nivel de crítica… más terrenal.

Ninguno de sus estudiantes es lo que parece. Y ese living tan literario como cálido, no es más que un campo donde convergen historias y personas tan disímiles como necesarias. Un chico con problemas de expresión, fácil prosa y pasado oscuro; una mujer ordinaria y su hijo con problemas mentales, un chileno anónimo y un matón obnubilado con su deber delictivo, son las piezas con las que debe lidiar esta sencilla y apasionada profesora -Martina-. Ella siente placer por las letras y los textos poéticos, el resto no se sabe.

La historia de la obra no será evaluada ni contada. Hay que ir descubriéndola en vivo, para sentir más los impactos y los giros dramáticos. Para destacar el vestuario Made in Romina Cariola, quien vistió a la perfección a todo el elenco y la música original de Federico Marquestó, aunque bien podría tener más participación en la narrativa.

El final no es un final. De hecho parece no serlo. La vida continúa, o no. Igualmente lo visto hasta su epílogo, vale demasiado. No hace falta más.

Niños del Limbo es Andrea Garrote y sus avatares. El libro y la dirección son de la misma persona. ¿Hace falta decir quién?

Por Mariano Casas Di Nardo

Del Amor o El Banquete.

2009-11-21T14:01:00.000-08:00

La pregunta es filosófica y tiene tantas respuestas como pareceres. ¿Qué es el amor? ¿Qué es la belleza? El amor tiene infinidad de formas y todas son reales, podría decirse. Una sensación autónoma que aparece y desaparece sin intervenciones de la razón humana. Y la belleza es tan virtual y abstracta, que no podría definirse, sin caer en lugares comunes o equivocaciones. Que lo estético, que lo armonioso… Todos juicios erróneos.

De la otra vereda de la objetividad y desafiando los parámetros del interés, el amor llega, revoluciona y vive eternamente. Y si muere, ya no es amor, entrando en un conflicto y en una dialéctica cíclica. Del Amor o El Banquete son todas estas sentencias y más. Para irse pensando sobre el corazón y sus azares.

¿Puede el amor ser el mismo entre dos jóvenes bellos y contemporáneos, que el que pueda sentir una prostituta por su empleador? ¿Puede ser la misma sensación de alegría si hablamos de un travesti para con su pareja mujer, que si abordamos la mente de una bella, sinuosa y ardiente mujer, con su marido entrado en años y en excesos? Para la mente de Darío Portugal Pasache y Lucía Pansera sí; y lo exponen y lo desmenuzan para que el espectador saque sus propias conclusiones.

Del Amor o El Banquete no rotula ni etiqueta. Desnuda. Inclinando hacia el lado de las perversiones. Pero ¿qué es la perversión?... y entonces de nuevo entramos en un debate estéril y difícil de concluir.

Encabezados por el histrionismo de Alejandro Stordeaur y Fernando Iglesias, más el erotismo que imprime su reparto, la obra apunta directo a la reflexión y a la apertura mental. A entender que el amor está más allá de los cánones que nos muestran las novelas o los estamentos sociales de las buenas costumbres. Para volver a empezar, con la experiencia de que el amor puede sentirse de formas inimaginables, y no por ello, ser falsas.

Por Mariano Casas Di Nardo

Terrame

2009-11-06T18:42:00.001-08:00

Terrame está configurada por dos entes, lamentablemente, interrelacionados entre sí. Inevitablemente no pueden separarse ni disociarse. Un significado y un significante que se lastiman; un todo a medio llegar. Por un lado, un marco teórico gigante, inmortal, moldeable a todos los seres humanos. Cíclico e universal, como es la búsqueda del otro. La desesperación que genera la soledad y el nerviosismo que viste a los corazones actuales. Y por el otro lado, el hecho práctico, el que le da cuerpo a un libro tan infinito que hace que lo palpable quede trunco. Un espacio chiquito que no resiste lo que se está contando.

La obra sería la radiografía de un amor como tantos otros, que se inicia por la atracción inesperada que siente un hombre –cualquiera– por una dama –cualquiera–. Y cómo va creciendo y desarrollándose esa atracción, a través del descubrimiento mutuo, los malestares, los aciertos, los perdones y los reencuentros; hasta verse convertido en un poderoso amor. Desde el minuto cero, en las que las humanidades se desconocen, hasta la evolución del cariño sincero. Ella se llama Lucía; él, Atahualpa. Por ella nadie se daría vuelta en una esquina, por él ninguna mujer daría ni un suspiro. No se deslumbraron ni se encandilaron. Como se dice, un amor a novena vista.

Cuántas de estas historias hemos conocido, escuchado o padecido. Qué genial la pluma de Lucila Garay que en una obra de escasos cincuenta minutos y en el perímetro de una habitación de dos por dos, refleja millones de historias de amor, tan completas como reales. Porque abarca todas: desde la más oscura y retorcida hasta la más básica y desabrida.

Con dos actores que hacen del gesto y del diálogo torpe un culto, Terrame relata todos los síntomas del corazón, dejando en evidencia lo elemental que somos. Entonces, pensará su autora y directora, para qué complejizar lo tangible, si lo abstracto lo dice todo.

Por Mariano Casas Di Nardo

Escoria –El lado B de la fama–

2009-10-14T04:29:00.000-07:00

Sin dudas, la particularidad de José María Muscari es encontrar alegría donde impera la decadencia y la desazón. Ver brilloso lo oxidado y lo corroído. Contar historias universales e infinitas, a partir de las desgracias ajenas. Ya lo había insinuado con Piel de Chancho y lo confirma con Escoria, su obra más lograda, conmovedora, cruda y cruel.

El primer impacto visual de la obra es de un colorido inusual para su registro, pero de una inmensa tristeza. Un cuadro que roza lo patético, con la música de Un poco loco de Sergio Denis para darle un opaco plastificado de caducidad. Las sonrisas de los anfitriones y sus cordiales agradecimientos por estar en el cumpleaños de Dino Escoria cortan con tanto aturdimiento. Porque hay que aclarar que estamos en un cumpleaños y hay que festejar. Y sonreír. Aunque la coyuntura nos tiente con el llanto.

Escoria desmenuza la privacidad de actores de renombre que marcaron una época dentro de la escena nacional tanto televisiva como teatral. Los desnuda. Los expone ante un público que se une al dolor con dejos de lástima y rencor. Despedaza el ego de diez íconos de nuestro arte de la forma más cariñosa, humilde y agradable. No los humilla ni los maltrata, sino que los cuida, los ayuda y, perversamente, demuestra la excelencia de sus actuaciones, para criticar a un sistema que vaya uno a saber por qué, los dejó afuera. Escoria es una obra que construye, no destruye.

Con un libro a punto gracias a las experiencias personales de sus protagonistas, Muscari logra sacar lo inédito de sus dirigidos, a tal punto de mostrar la faceta dramática oculta de Noemí Alan, quien con su monólogo estremece la sala. Otra grata sorpresa es el resurgimiento de Willy Ruano, alimentando a sus pares con estridentes participaciones. Y con Osvaldo Guidi en pleno estado catastrofista, es Paola Papini quien intenta apuntalar a todos para no caer en la dura realidad del desamparo, la ausencia y el desempleo actoral. Una difícil realidad que Marikena Riera intenta esclarecer, por suerte, sin éxito.

Con un vestuario impecable y una fotografía exacta para potenciar la angustia de los diálogos, la obra es la suma de absolutamente todas las partes. Escoria, diez actores gigantes y un director de culto.

Por Mariano Casas Di Nardo.

Lame vulva –ejercicio de poder–.

2009-10-08T18:59:00.000-07:00

Existen diversas formas de contar una historia. De manera humorística, drámatica, irónica, melancólica, metafórica, alegórica, etcétera, etcétera. Y también a la manera de Martín Marcou. Que sería con todos los estilos utilizados por el ser humano a la hora de labrar un discurso coherente e impactante, amalgamados por un hilo conductor: el apocalipsis. Con bandas originales de sonido que van desde Dyango, pasando por Café Tacuba hasta llegar a Gary. Lo bizarro y lo conservador; el diálogo moralista sobre un background definitivamente kitsch; el ser inmaculado barnizado de erotismo. Y así, bajo disímiles coordenadas, las concepciones más antagónicas se van trastocando. Un Martín Marcou explícito, sin dobleces, oscureciendo aún más el panorama del teatro off.

Lame vulva ofende desde su título y conmueve –para bien y para mal– desde su dramaturgia. La risa y la angustia dando vertiginosos pasos de vals. Con tres actores que se pelean en todo momento para demostrar quien es el más patético y desagradable. Aunque pierden todos, ya que enseñan con gestos desconcertantes, que la inocencia y el desamparo navengan por sus venas.

Luz –Checha Amorosi– propone la violencia como caricia y Horacio –Javier Rosón–, la sumisión como acuse de recibo. Y la tercera en discordia –Puchi Labaronnie–, la suegra de ella o la madre de él, entra en juego con los métodos más eficaces: la sobreprotección y la desautorización conyugal. Todo en un panorama desolador y lúgubre, que huele a tristeza e infelicidad.

En Lame vulva la catástrofe está siempre por comenzar. El desastre está latente. Un nervio puro en pleno nido de desamor.

Oruga –Bullying–.

2009-10-05T05:33:00.000-07:00

Entre los muchos y variados aciertos y desaciertos de Alejo Beccar en su reciente obra Oruga, tal vez el capital sea diseminar el terreno de conflictos y problemas que no llevan a sus protagonistas más que a la decadencia. Está bien, podría defenderse argumentando ser el reflejo de la sociedad en la que estamos inmersos. Ok. Es cierto. ¿Y?

Andrea es una simpática, simple y agradable chica, maltratada por sus pares en el perímetro que establece su escuela secundaria. Un grupo de cinco mujercitas que ejercen el poder que otorga la impotencia y debilidad de su victima, a niveles de crueldad insoportable. Insoportable para la pobre protagonista e insoportable para el espectador, que en base a destacadas actuaciones, compra el libro y los diálogos y pretende ir a su rescate. Los primeros quince minmutos, las idas y vueltas de esas efervescentes niñas de disímiles bellezas, irritan. Los siguientes veinte, dan euforia de justicia; mientras que su final aplaca. Porque al parecer, en el mundo de su autor, no existen luces de esperanza más que la natural. Entonces si el presente se muestra nublado, hay que ver a oscuras.

Oruga va tomando cuerpo a medida que uno se encariña con su protagonista –Laura Rodriguez Cano– y odia al reparto. Y la trama, que va cambiando de planos gracias al detallado movimiento escénico de sus actores, relata uno a uno los pesares de "La Oruga”, ya sea por sus malditos compañeros, sus patéticos padres o sus insulsos docentes. Todos ellos, con sus participaciones, no hacen más que bastardear la dignidad de la niña en cuestión.

La obra nos planeta la cruel realidad que se vive en los colegios secundarios en la actualidad. Nos muestra las burlas, las humillaciones y el maltrato que sufren los chicos que no cumplen con las características de líderes. Y duele. Duele verlo. Molesta. Es por ello que hay que destacar el valor de Alejo Beccar de involucrarse con el mayor de los cuidados con un tema tan espinoso como conflictivo. Aunque se lo podría culpar de no tomar partido. Como dice su programa: “la obra no acusa”. Debería acusar y penar. Como para no irse con ese sabor amargo de haber visto sólo una buena obra de teatro. Porque la misma podría haber sido paradigmática.

Por Mariano Casas Di Nardo

Brillosa

2009-10-02T08:27:00.000-07:00

Brillosa son todos los rasgos que una mujer puede desplegar a lo largo de sus primeros años de vida. Todas las personalidades posibles a desarrollar y a perfeccionar. Sobre todo a perfeccionar. Con sus miserias –muchas– y sus certezas –pocas–. Brillosa es lo salvaje, la belleza, el temor, la esperanza, la fortaleza y la ingenuidad. El labo b de la apariencia.

La obra se sostiene por seis pilares fundamentales: la voz líder de Digna –María Laura Espinola–, la belleza milimétrica de Sara –Natalia D´Alena–, la vulgaridad de Jesenia –Checha Amorosi–, la valentía de Jezabe –Valeria Actis–, el desamor de Roberta –Jimena Civelli– y la simpleza de Vanina –Ana Rossi–. Juntas configuran la escencia femenina, mientras separadas muestran la vulnerabilidad del género.

Dentro del caos que proponen las brillosas, una historia se va hilvanando. Ellas, tan atolondradas como eclécticas, bailan, se muestran, se venden, se pelean, se retroalimentan y se envidian. Por momentos se prenden fuego y por otros se ignoran. La precariedad humana de Jesenia salpica a las demás, mientras una estéril Digna intenta darle un manto de cordura a la escena.

Brillosa es sensualidad en estado primitivo. Seis pulsiones de vida buscando un horizonte. Incluso, algunas creen llegar. Pero nada las salva, nada las purifica ni las santifica. Ni sus cuerpos cincelados, ni la rabia apocalíptica que destilan por sus bocas. Están hundidas, buscando su salvador.

De aquí en adelante, los jueves por la noche, seis estrellas brillarán con más intensidad en nuestro cielo. Cualquier similitud con la realidad es mera coincidencia.

Muñeca

2009-09-22T07:38:00.000-07:00

La ansiedad por conocer a Muñeca crecía en la sala. Con la consumación de cada minuto, la necesidad de que estuviese allí aumentaba a niveles infinitos. Por su parte, Anselmo, hombre rico y poderoso, de esos que logran todo lo que se proponen en la vida por tener exceso de recursos, no hacía más que elevar la imagen de tan codiciada dama. Mezcla de Berlusconi con Perón, él, que parecería sentenciar los destinos de sus enemigos, manejaría también la suerte de sus amigos más fieles, todos ellos interesados y vividores. Hasta las bellas y sugestivas señoritas que desfilan por su mansión, parecerían sucumbir ante su infranqueable impronta. Aunque sin más, no deja de palpitar por su amada compañera, quien lo habría abandonado a merced de vaya uno a saber quién. Para esos momentos, ya podría considerársela como su talón de Aquiles. Un dato, él se siente feo, pero aún así, continúa su fastuoso andar.

En el marco de uno de los teatros alternativos más bonitos del circuito porteño como es Delborde Espacio Teatral –Chile 630–, un pretensioso elenco de diez actores –los cuales algunos brillan y se destacan en obras como Criminal y Los desórdenes de la carne (ambas de lo mejor de la cartelera off actual) –, se disponía a entrar en el mundo Discépolo para darle vida a Muñeca, una historia de amor de arrabal; con tintes de tango, cabaret y timba. De ellos, cinco duplicaban con recordados papeles la propuesta: Uki Cappellari, Antonio Bax, Marcelo Velázquez, Gabriel Nicola y Yazmin Schimdt. Todos apadrinados por la dirección de la virtuosa dupla Teresa Sarrail y Sandra Torlucci, que hacía presagiar ochenta minutos –como indica el programa–de impacto absoluto.

Hasta aquí, una correcta y entretenida versión de la historia que supo crear el talentoso y eterno Discépolo. Pero por lo planteado por sus directores, todo se encaminaba a un punto específico; a su clandestina aparición.

Y sucede todo lo contrario. Porque es cuando aparece ella, la misteriosa “Muñeca”, que todo queda trunco. La historia no sólo no se refuerza, sino que hace revisar todo lo aprehendido y entendido hasta ese momento. Y cuando se llega a ese porqué, ilógico; tampoco satisface. Y la obra por ende muere ahí. Ya no importa su epílogo y menos su desenlace. Da lo mismo cualquier final. Porque Muñeca no es femme fatal ni seductora ni encantadora ni diabólica. Tampoco carismática o compradora y menos brava.

Muñeca queda a mitad de camino. Con actuaciones tan disonantes como evidentes. Con una historia que germina con una fuerza abrumadora por el duelo inicial entre Eugenio Soto –Anselmo– y su mayordomo –Antonio Bax–, al que se le agrega la interesante actuación de Enrique –Armando Lazarte–; para ir paulatinamente perdiéndose en un pantano viscoso y marañoso. Por momentos están todos perdidos. Y ni siquiera Gabriel Nicola con su elaborado papel de Mora, hace que su entorno se encuentre. Sólo se salva Cecilia Zuvialde quien despliega todo su talento para darle a los protagonistas la estética correcta y el adecuado campo de interacción, que nos muestra al menos, de forma visual, los caracteres del ´30.

Muñeca es como esa flor que muere en el preciso momento en el que toma su mayor cuerpo y esplendor. Toda una vida para llegar al instante más bello y después marchitarse repentinamente. Un paralelismo que explica que la obra tiene muchas intenciones, pero que por cuestiones de la física misma, quedan en la nada.

Por Mariano Casas Di Nardo

El Batacazo

2009-09-16T04:50:00.001-07:00

El Batacazo es un compendio de aciertos puestos a disposición de una obra que brilla a lo largo de sus sesenta y tantos minutos de vida. Un guión que habla de la mediocridad y de la chatura del ser humano creyente en brujas, yetas y lechuzas, de la forma más precisa; dos actores que se sacan chispas a la hora de actuar y de crear sus respectivos personajes y la música exacta del Chango Spasiuk para generar el clima de tensión ideal cuando la obra llega a su epílogo. Todo cierra perfecto sobre el fantástico mundo que se genera en el Chacarerean Teatre cuando la función comienza a rodar.

Uno, un oportunista ; el otro, un fracasado jugador de básquet devenido en enfermero. Uno, empleado del parque de diversiones; el otro, un hombre asediado por la mala suerte y la desgracia. Uno, Mauricio Dayub; el otro, Osqui Guzmán. Animal televisivo de raza el primero, rey de la improvisación teatral el segundo. Dos actores que suman sus partes para llegar a un todo absoluto. Un despliegue de guiños, latiguillos y muecas sin tener que llegar al grotesco y al gesto soez, como pocas veces visto en los escenarios porteños.

La obra cuenta la historia de “Cobra”, quien cansado de su vida monótona y chata de empleado de uno de los juegos más difíciles del Parque de Diversiones, decide cambiar su rumbo y hacer saltar su propia banca, enseñándole a “El Nene”, un enfermero de pocas ideas, el secreto para ganar el juego. Los dos en busca de dar el batacazo, uno para cambiar su aburrido presente y el otro para saldar una deuda pendiente con el deporte que lo inició en su patética y contrariada personalidad.

La cuestión era despejar el interrogante de darle un guión y una estructura armada a uno de los actores que mejor maneja la improvisación en nuestro teatro. Y consumada la obra, no hay más que rendirse ante el ojo de su autor y director, el propio Mauricio Dayub, quien confió en Osqui Guzmán para acompañarlo en esta travesía de malarias e infortunios.

Impecablemente lookeados y potenciándose en cada intervención, la obra progresa entre el humor y la reflexión; dos sensaciones que ejecutan ambos protagonistas, tanto desde la ironía como desde la nostalgia. Porque en el fondo, estos dos personajes casi arrabaleros, encierran tristeza y soledad. El vacío de pensar que la suerte y el azar lo hacen todo, ya sea por la desgracia de “El Nene” como por la suerte a medias de “Cobra”.

Algunos pueden considerarlo teatro comercial y menospreciarlo; otros podrán denominarlo teatro en serie y no considerarlo. El Batacazo es teatro del bueno. Con un libro que nunca pierde de vista el horizonte y con dos actores superlativos, que hacen de esa línea inalcanzable, algo posible y cercano.

Por Mariano Casas Di Nardo

Antes muerto – Flashback año 2007–

2009-09-14T10:43:00.000-07:00

–Cuando se tienen ciertas convicciones, la muerte es lo de menos–.

Una historia oscura, de amores y contradicciones. Dos sicarios, una bella e impecable mujer y un hombre asfixiado por el rencor. Odio y deseo, promesas y muerte. Todos azares del hombre que se encierran en Antes muerto, obra escrita, dirigida y actuada por la dramaturga Moro Anghileri. Más un agregado, el agregado, la soberbia actuación de Carlos Portaluppi, quien a fuerza de su exquisita verborragia y su despliegue de gestos escénicos, brilla entre tanta oscuridad.

Ambientada en la década del ´40, con un hotel raído y sucio como escenario, la obra mixtura códigos del cine de comic antiguo con el teatro de culto. Entonces, sobre una ventana que da a las angostas calles de una ciudad abatida, puede verse un tiroteo –material fílmico– que da origen a la trama.

Irrumpe él, de correcto traje negro, pelo engominado y un arma que dará a luz en la primera situación tensa. Fatigado por la huída, ve como segundos después sale a escena la inalterable belleza de ella, de ceñido luto, quien con sus movimientos felinos deja entrever sus curvas. Con guantes que cubren sus asesinas manos y labios pintados de rojo fuego, las situaciones comienzan a suceder. Pequeños diálogos introducen al espectador en la idea original, con dos personajes que precisan todo su histrionismo actoral...

leer nota completa: http://www.luciernaga-clap.com.ar/articulosrevistas/35_antes_muerto.htm

Por Mariano Casas Di Nardo

Métodos para no llorar.

2009-09-08T07:38:00.000-07:00

Todos quisiéramos tener un sótano como Boris y Atalia para escaparnos de la realidad que muchas veces nos arrincona, nos oprime las ideas y nos paraliza. Un lugar donde el tiempo pase a otra velocidad y donde imperen nuestros deseos y se materialicen nuestros sueños reprimidos. Porque el mundo, por lo general, no gira como pretendemos y el miedo y la inexperiencia nos juegan una mala pasada. Entonces un universo idílico paralelo sería lo conveniente. O al menos una estructura para no sufrir. Donde todo sea más cómodo, amigable. Pero no. La vida es hostil, el prójimo es burlón. Y un cuchillo filoso, como reza su dramaturga, no es del todo suficiente.

Afuera el apocalipsis y dentro, dos chicas jóvenes, bella una; la otra perdida en su ira y en su hambre. Un ambiente de dos por dos y una humedad que jaquea el buen vivir. Dos mujeres que sufren el exterior y se protegen mutuamente. Dos humanidades que a veces coinciden y otras no. Y cuando se rozan, más que una unión es un rasguño. Un raspón. Una molestia. Pero también se reinventan. Se mienten, se necesitan, se odian y se padecen.

Josefina Sabaté y Baudrón –así se llama su directora– dispone del poco espacio del escenario del teatro de manera tal que parece gigante. No porque le incluya espacios inexistentes, sino porque el afuera imaginario nos supone que donde convergen las dos protagonistas, es sólo un punto en la inmensidad gris. Y es gris, porque todo nos hace pensar que el abismo está afuera. Y es ese refugio el que las separa del ocaso.

El protagonismo pareciera ser de Atalia –Martina Schvartz– por ser la iniciadora de esta historia, pero es Boris –Bárbara Molinari– quien refuerza con sus histriónicas pinceladas, un guión que nunca se sabe para donde va. Y desde su primera intervención se gana el afiche. Ella maneja los tiempos y da vida al resto. A su partenaire y a los cambios de clima, que hacen de ecualizador de la trama.

Métodos para no llorar desconcierta en gran parte de sus sesenta minutos. Intención de su autora que se cumple hasta que una de ellas emite la frase que da título a la obra. Y allí cierra todo. Lo demás son eventualidades. Pueden suceder como no. Las cebollas, el encierro, la locura, el ayer, el hoy, el miedo, el deseo y sus respectivos contextos. Una idea que vale por sobre todo y le da vida y forma a una muy buena obra de teatro.

Por Mariano Casas Di Nardo

El Joven Frankenstein

2009-09-07T04:02:00.000-07:00

A priori, la configuración de su elenco hacía presagiar un producto comercial, carente de todo arte. Sí, una obra Made in Broadway pero con algunas figuras estelares para hacer saltar la taquilla. El televisivo Guillermo Francella encabezando el elenco, la ex conductora Laura Oliva secundando, más uno de los showman más reconocidos del under como Omar Calicchio. Hasta aquí negocio redondo; el Astral como marco lujoso y la Avenida Corrientes como punto estratégico. Pero los dos pilares que sostienen la obra y hacen girar la maquinaria a la perfección, tanto económica como artísticamente, son dos actores no muy renombrados pero de pura cepa musical, como el histriónico Pablo Sultani –Igor– y la bella Carolina Pampillo –Inga–. Si bien la amalgama es pensada y exacta, siendo El Joven Frankenstein una obra de calidad y prestigio, son ellos dos quienes más brillan y hacen brillar.

Basada en el clásico film del genial comediante Mel Brooks, la obra nos lleva al regreso de Frederick – según el propio protagonista su apellido se pronuncia “Fronkenstin”– al pueblo Colinas de Transilvania, para hacerse cargo de su herencia, el castillo de su abuelo Victor von Frankenstein. Ya en sus oscuros bosques, conoce a quienes serán sus asistentes, el torpe y bueno de Igor – se pronuncia “Ay-gor”– y la jovencita e ingenua Inga. Juntos, se dirigen al mentado castillo, donde la inmaculada y tenebrosa Frau Blücher...

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El Gorrión de París.

2009-09-04T19:59:00.000-07:00

Piaf no es una obra musical; es mucho más. Tampoco es un recital de alguien que canta y emula a la cantante francesa más importante de todos los tiempos; es mucho más. Como así tampoco Elena Roger es una actriz o una cantante que despunta su vicio sobre las tablas; es mucho más. Piaf es la suma de todos los adjetivos calificativos positivos y más. Roza la perfección... La perfección vocal, actoral, escénica, musical y artística.

La obra comienza con los vestigios de la gloria que supo cultivar Edith Piaf en sus entrañas, para retrotraernos a su infancia, en los suburbios de su París natal, entre marginales, oportunistas y artistas callejeros. Pinceladas escénicas para mostrarnos la miseria que cinceló sus primeros años de vida, el abandono de sus familiares más cercanos, sus primeros amores y violaciones; hasta su anclaje en un decadente burdel, donde entre tanta oscuridad y deformidad, se le abriría el destino. Cada movimiento, cada canción, es una fotografía que entristece el guión. Es que la obra en sí no emociona, sino que conmociona. Una virtud de su autor Pam Gems, quien con cada diálogo hiere un poco el sentimiento del espectador para dar la estocada mortal cuando las luces se apagan y sólo se ve a su protagonista entonando a La Môme. En ese instante la muerte, pero sólo un cambio de luces para generar vida nuevamente hasta verse apagar...

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Catástrofe inesperada

2009-09-01T19:36:00.000-07:00

Catástrofe inesperada son un millar de códigos estéticos hilvanados por una historia que progresa de la forma más compleja y abstracta. Como esos dibujitos que toman vida a medida que las hojas se van sucediendo, en tiempos de 24 cuadros por segundo. Cada parpadeo significaría una fotografía y cada una de ellas, un caldo difícil de digerir.

Escrita por Luís Cano y materializada por la directora Cintia Miraglia, la obra toma fuerza a través de un relato fragmentado que deja ver la memoria de un poeta olvidado, quien pasa sus días en el frío espacio de un sistema hospitalario que lo asfixia de a poco. Por momentos mujeres milimétricamente superpuestas lo debilitan en la creación para luego apuntalarlo en la imaginación idílica y surreal de su persona. Es que no todo está dicho aún, pero sí las cartas están jugadas y sólo resta definir quién perderá.

Al parecer, en los escasos y poderosos cuarenta y cinco minutos de acción, los únicos ilesos son los espectadores. La manipulación y el aire a encierro revuelan la escena y ni aún, los símbolos de libertad, dan aspecto de emancipación. Mucho menos los paisajes ciclotímicos que mueren y nacen al unísono. Todo es perecedero. Todo huele a claustro. Y la música, creación de Daniel Quintás, es una guía malintencionada que nos conduce al ocaso.

El conflicto germina en el mismo escenario y se desarrolla entre los protagonistas, en este caso, el poeta Zurita –Leandro Rosenbaum– y sus custodias espirituales y carnales –Natalia Marchese y Gabriela Mocca–. La consumación de los episodios cierra historias pasadas y aviva otras.
Como esa canilla mal cerrada que no logra causar la inundación pero que hace de cada gota un estruendoso sonido, su directora hace que la catástrofe sea latente con una evolutiva graduación que sacude con intensos espasmos imperceptibles, que uno siente ya terminada la función.

Catástrofe inesperada es difícil. Ermitaña. Oscura. Un arrebato a la libertad expresado en imágenes impactantes. Una audaz representación del efervescente teatro independiente moderno.

Por Mariano Casas Di Nardo - abril 2009

Luisa

2009-08-24T12:39:00.000-07:00

Luisa es sencilla. Sin dobleces. Una chica simple que no tiene nada que perder. Porque ya lo perdió todo según su ánimo. Y entonces desnuda sus sentimientos. Para compartirlos. Porque se ve que de tanto dolor, ya no le entran en sus rincones. Pero tras la tormenta solo le queda la calma; algunos reproches por vencer y menos ilusiones por soñar. Es que Luisa tiene el corazón herido, por no decir que lo tiene roto. El amor la vació y sufre. Cómo sufre.

Escrita por Daniel Veronese, la obra nos presenta a Luciana Monasterio en el papel de Luisa, una chica que nunca olvidó lo que en un pasado muy remoto la hizo feliz. Ella recuerda, dialoga con su madre ausente y revive momentos que le alegraron el alma. Una actuación inmejorable para mostrarnos con gestos y miradas, todo un mundo que se termina de configurar en nuestras cabezas, porque de hecho, sobre el escenario hay poco y nada. Una cama, tres plantitas, un banquito y su sombra, la cual se agranda o se achica con la misma proporción que su nostalgia. La fotografía podría resultar vacía, pero es su presencia escénica y talento que abarrota la imagen con elementos que sólo nosotros –los espectadores– podemos ver. Hasta la sensación térmica nos recrea con sus palabras.

Con unos mocasines , una larga pollera y un saquito con mangas largas que denota humildad e interés clásico por la moda, Luisa se presenta. Porque su sentimiento va más allá del look, aunque en cierto modo también la representa. Un vestuario exacto, apagado en sus tonos; pero justo para determinar el autoestima y las ínfulas del personaje. Es que ella no pretende más que quedarse con sus ausencias y mientras sufre, espera. Por las dudas. A ver si el destino le da un giro.

A Luisa dan ganas de abrazarla, de protegerla. De hacer que el sufrimiento que demuestra su seca sonrisa, se acabe de una vez. Algo es cierto, Veronese da una base para hacer de la obra, una buena pieza; pero es la misma Luciana Monasterio quien entiende y logra la esencia del libro. La dirección de Vanina Montes seguramente tendrá mucho que ver, sobre todo con el desplazamiento de la protagonista sobre su habitación; pero son las expresiones de la actriz las que llevan a la obra a la máxima puntuación de calificación.

Luisa es una luz en la oscuridad. O un futuro alegre en el ocaso. Porque motiva a creer en la simpleza del amor, aún hoy, cuando la voracidad de lo efímero se lo lleva todo. Nos induce a pensar en lo crudo del sentimiento. Su relato y amor así lo demuestran; el brillo de sus ojos nos lo confirma.

Por Mariano Casas Di Nardo

El tiempo y los Conway

2009-08-20T05:47:00.000-07:00

“El universo tiene su demonio y es aquello a lo que le llamamos tiempo”, reflexiona la bella Kay, mientras observa como su familia de perspectivas renacientes, se precipita en la mediocridad de sus integrantes. Ella, una aprendiz de escritora en un principio y luego una periodista de las revistas del corazón, nada puede hacer contra la decadencia que abruma a su madre y hermanos. Al contrario, todos ellos profundizan la catástrofe y tapan cualquier haz de luz con sus torpes decisiones y equivocados ánimos de grandeza. Sólo el humilde Alan parece leer bien la realidad, aunque así no deje de alimentar la frustración que hará caer al pretensioso apellido que llevan en sus documentos.

El tiempo y los Conway, del recordado J.B.Priestley, es una obra que altera los órdenes narrativos para explicar el desarrollo de la historia. Similar al de El otro de Jorge Luís Borges. La progresión de sus diálogos nos lleva a los albores del mil novecientos, en un pueblo de Inglaterra, donde la Señora Conway vive con sus hijos en una imponente casa, seguramente, legado de su marido, el verdadero Conway. Allí pueden encontrarse los diversos perfiles de personajes, entre los cuales encontramos al hijo de poco vuelo –Alan–, al vanidoso y torpe Robin, a la dulce y temerosa Kay, a la autoritaria Magde, a la pretenciosa Hazel y a la alegre Carol. A ellos se le suman los terceros, un apagado abogado, un vecino enamorado y una amiga de la familia, tan simple ella como ingenua.

Un reparto funcional a la obra, que toma fuerza con las actuaciones de Gabriel Kipen como el hermano consentido –Robin–, por la belleza y delicadeza de Mariela Rojzman –Kay– y por el ciclotímico vecino personificado por León Bará –Ernest Beevers–. Ellos enseñan el camino y guían a sus interlocutores tanto a la comedia como al drama.

Dirigida por Mariano Dossena, la obra se destaca por llevar de manera eficaz al espectador por todos sus viajes, tanto hacia el futuro como por el presente. El vestuario, creación de la dupla Julieta Fernández Di Meo-Nicolás Nanni, nos hace vivir aquella época y nos ubica en un lugar muy cercano al de los personajes, sin tantos protocolos ni abarroterías de época. Lo justo y necesario.

El tiempo y los Conway pudo ser un relato dramático hasta el cansancio, sin embargo destellos de humor salvan tanta crueldad, y eso no es más que mérito de su director primero, quien supo equilibrar el problema; y de sus actores, segundo; quienes con acertados gestos y movimientos, generan risa, cuando lo más lógico es provocar llanto.

Por Mariano Casas Di Nardo